lunes, abril 22

Cómo el arte de Hokusai irrumpió en el mundo moderno

Una de las figuras más influyentes de la cultura europea moderna nunca ha pisado Europa. Katsushika Hokusai, como todos los súbditos del aislado Edo Japón, no podría haber dejado el archipiélago si hubiera querido, y sus editores no pudieron exportar sus copias de actores de Kabuki, flores y el Monte Fuji. Pero unos años después de su muerte en 1849, cuando los «barcos negros» del comodoro Matthew Perry navegaron hacia la actual bahía de Tokio, los mercados japoneses se vieron obligados a abrir y los bloques de madera de Hokusai comenzaron a flotar sobre el océano. En Francia, Gran Bretaña y pronto en Estados Unidos, iba a surgir un género de arte completamente nuevo: nacido en Tokio, que se extendía por todo el mundo.

Dentro «Hokusai: inspiración e influencia», una exposición de xilografías japonesas y arte contemporáneo global en el Museo de Bellas Artes de Boston, uno de los más grandes grabadores aparece en el centro de una transformación cultural global, en la que el arte se ha vuelto más urbano y más efímero, y el mundo observado se vuelve aplanado en signos y símbolos. Hermoso e hinchado por turnos (pero bien vale la pena el viaje), hace un uso extensivo de la incomparable colección de arte japonés del MFA. (De hecho, la MFA organizó la primera retrospectiva estadounidense de Hokusai, en 1892).

Verá más de 100 grabados, pinturas y manga – literalmente «bocetos caprichosos» de bañistas, cortesanas, pájaros y bestias, que Hokusai publicó en 15 volúmenes más vendidos. Hay 11 hojas brillantes de su serie más famosa, «Treinta y seis vistas del monte Fuji», que incluyen estos dos íconos de tazas de café:Buen viento, tiempo despejado«, que destila la montaña augusta en un cono de arcilla roja, y «Bajo la ola de Kanagawacoloquialmente conocida como la «Gran Ola», en la que el Fuji cubierto de nieve casi desaparece bajo un extenso rompeolas azul.

Como sugiere el título, «Inspiración e influencia» es un espectáculo de dos partes. Una primera sección, ambientada en el Japón de los siglos XVIII y XIX, rastrea la educación, el aprendizaje, la carrera independiente y la instrucción de Hokusai de los jóvenes creadores de grabados llamados «imágenes del mundo flotante». Comparte estas galerías iniciales con su maestro maestro, katsukawa shunsho; su mayor rival, Utagawa Hiroshige; así como varias artistas femeninas, incluida su talentosa hija, Katsushika oye, representado por una hermosa pintura en pergamino de un trío musical femenino.

Luego viene una segunda mitad más general, que ignora la línea de tiempo, los medios y el tono para resaltar la migración global y la metabolización de las composiciones vívidas y los temas burgueses de Hokusai. Los estampados de Gauguin y Whistler adquieren los colores en bloque y los espacios planos de Hokusai. Hay artes decorativas de imitación japonesa de la cristalería Steuben o de la joyería Boucheron, y fragmentos de «La Mer» de Debussy, cuya partitura publicada tiene la ola de Hokusai en la portada. El arte nuevo, de mayor o (a menudo) menor importancia y sutileza, se codea con el manga contemporáneo.

El mismo Hokusai trabajó en campos comerciales (la distinción occidental entre bellas artes y arte popular apenas era brillante en el período Edo), por lo que es lógico que esta exhibición cambie de la pintura a los cómics. Hasta la fecha, ha penetrado tanto en la cultura popular que se ha convertido en el único artista con su propio emoji: la ola azul con cresta. [🌊]despojado de los pescadores medio ahogados en el grabado original.

Pero gran parte del trabajo contemporáneo aquí es vulgar o incompleto, y al priorizar la cantidad sobre la calidad, la segunda mitad del espectáculo se siente un poco como… una marea que te golpea. La mejor impresión del MFA de la ola de Hokusai aparece aquí no en un aislamiento contemplativo, sino repleta de personificaciones, parodias y actos de homenaje. Hay copias de “Great Wave” de Andy Warhol y Yoshitomo Nara; pulseras mexicanas en forma de olas y muebles trampantojos de surfistas; e incluso una imagen promocional del esbelto campeón olímpico de patinaje artístico Yuzuru Hanyu, vestido con un traje azul y blanco y arqueando su brazo derecho como las olas de Kanagawa. La «Niña ahogada» de Roy Lichtenstein, prestada por el Museo de Arte Moderno y que representa a una mujer de cabello azul que desaparece bajo olas plateadas, se enfrenta, vergonzosamente, a una réplica del gran kahuna de Hokusai hecho con bloques de Lego azules y blancos.

Hokusai nació en 1760, cuando Japón salía de una larga depresión y volvía a la prosperidad. Fue adoptado por su tío, quien sirvió al shogun como fabricante de espejos, ya los 19 años ingresó al taller de Shunsho, especializándose en la imaginería de actores y mujeres. En una hermosa exhibición una al lado de la otra de dos pinturas en pergamino de maestro y alumno, vemos a Shunsho destilando los movimientos de un bailarín en patrón floral ondulacionesy Hokusai luego usaron las mismas líneas para la tela agrupada de un mujer cargando leña. Las dimensiones aristocráticas y espirituales de la pintura dieron paso a algo más de moda, más mundano. El escenario, la calle, los baños públicos, el burdel: se convertirán, tanto como el paisaje japonés, en las inspiraciones y obsesiones de Hokusai.

Críticamente, sus escenas de placer eran más cosmopolitas de lo que los occidentales, que idolatraban la belleza supuestamente intacta del «Japón cerrado», reconocerían más tarde. Hokusai y sus estudiantes y rivales usaban antecedentes chinos y también holandeses para aplanar el mundo en color y línea, y en ocasiones usaban pigmentos extranjeros importados (o contrabandeados) a través del puesto comercial de Nagasaki.

Este espectáculo incluye dos magníficos pantallas de seis paneles que Shunsho pintó hacia 1790, en el que mujeres bien vestidas yacen a lo largo de líneas diagonales paralelas en la misma escala: la llamada perspectiva axonométrica, un pilar de la pintura china. Colgando justo al lado es una lujosa serie de grabados de Hokusai realizados 20 años después. Representa una casa de recreo en Edo, pero ahora las damas del frente se dibujan más grandes que las damas de atrás.

La perspectiva de un punto, tan revolucionaria para el Renacimiento europeo, se volvió familiar para los artistas japoneses ya en la década de 1740, y no quedaron tan impresionados. Si algunos, especialmente los grabador utagawa toyoharu, hizo un uso inteligente de la técnica europea, la mayoría lo vio como poco más que un juego de manos. O así fue hasta que comenzó Hokusai integrando Métodos asiáticos y europeos de delimitación espacial en una nueva imagen híbrida del mundo moderno. Mi Hokusai favorito de todos los tiempos es una de las «Treinta y seis vistas del monte Fuji» (y para su información, para su próxima prueba de pub de historia del arte, en realidad hay 46 vistas: su editor solicitó un seguimiento), que representa viajeros arrancados de un camino sinuoso por una repentina ráfaga de vientod. Las figuras de la derecha están colocadas a lo largo de una diagonal al estilo chino, pero a la izquierda las figuras se encogen y retroceden hacia arriba, al estilo europeo. En cuanto a Fuji, el sitio más majestuoso del país, son solo tres tiros rápidos: un swoop up, un bobble para la cima, un largo tobogán hacia abajo.

Los europeos, en la época de Hokusai, se basaron en ejemplos chinos, persas e indios en la creación de las artes decorativas. Pero cuando los grabados japoneses finalmente comenzaron a circular en Europa occidental después de su muerte, especialmente en el París de la década de 1870, derrotado en la guerra y transformándose a toda velocidad en una metrópolis, aparecieron como gemas estéticas y balsas de rescate espiritual. Con Hokusai y sus rivales, los jóvenes parisinos que pierden encuentran una liberación de los desgastados vocabularios visuales, y el japonismo, como se llama la moda, se extiende desde el salón de pintura hasta la mesa. Tinteros con temática de Fuji. Cortinas de terciopelo decoradas con flores de loto. Transferware con pescado y aves copiado del manga. “El japonismo estaba revolucionando la visión de los pueblos europeos”, escribe el cronista Edmond de Goncourt. La cerámica, la laca y sobre todo la estampa “aportaron a Europa un nuevo sentido del color, un nuevo sistema decorativo y, si se prefiere, una imaginación poética”.

No es necesario aclarar que estos artistas, compositores y dibujantes no estaban científicamente interesados ​​en la cultura japonesa, como tampoco lo hicieron los grabadores japoneses cuando representaron el «exótico» Occidente. Pero la moda francesa para las cosas japonesas ofrece uno de los ejemplos más ricos de la capacidad productiva de malentendido cosas extrañas, especialmente para los artistas que se convertirían en impresionistas y posimpresionistas, cuyos colores suaves, extensiones planas y descuido de las sombras nunca habrían surgido sin sus precursores japoneses. No era solo gramática pictórica; también fue la sensibilidad burguesa de Hokusai, su atención al teatro, la moda y las mujeres de la noche. Este gusto por la vida de la ciudad convenció a Monet, Degas y sus compañeros de que sus fugaces impresiones de la vida francesa moderna podrían ser un gran arte. E incluso cuando se entregaron a los estereotipos de la delicadeza o la pureza japonesa, cuando cayeron en la «batería de deseos, represiones, inversiones y proyecciones» que Edward Said llamó orientalismo, estos europeos de todos modos han sido cambiados por Japón, e irrevocablemente.

El programa MFA está demasiado revuelto en su segunda mitad para describir adecuadamente cómo el ejemplo de Hokusai despegó en todo el mundo en el siglo XX. Las selecciones contemporáneas en particular se sienten como si estuvieran siendo seleccionadas por los motores de búsqueda, y que Lego «Great Wave» debería haberse quedado en la tienda de regalos. Lo que realmente quería, en lugar de todas esas olas y montañas literales, era más el eclecticismo que caracterizó al japonismo y también animó los intercambios entre Asia y Occidente en la exposición Guggenheim de 2009 “The Third Mind: American Artists Contemplate Asia, 1860 —1989. Una carencia notable es el arte de Yasumasa Morimura, quien reintrodujo las malas aplicaciones de Japón de los artistas europeos en sus propios autorretratos alienados.

Realmente habría ayudado, porque hace unos años Estados Unidos pasó por un debate dolorosamente simplista sobre cómo los artistas de un lugar deberían o no representar imágenes y objetos de otro. Surgieron nuevas consignas, frases como «experiencia vivida» y «desequilibrio de poder», para decidir quién tenía derecho a qué imágenes, qué materiales, qué formas, qué palabras. (El MFA se estrelló en estos bajíos; en 2015 dibujó protestas y contraprotestas por invitar a los visitantes a probarse un kimono frente a un retrato japonés de Monet). Pero lo que Hokusai y sus sucesores han afirmado repetidamente es que no hay Eso no existe como una «cultura» pura divisible de otras, ni siquiera la cultura de un shogunato cuyos súbditos no podían irse bajo pena de muerte. La cultura es siempre un flujo y reflujo de fragmentaciones y recombinaciones, de encuentros tanto violentos como pacíficos. No puedes permanecer separado; todo flota; tu trabajo es montar la ola.

Hokusai: inspiración e influencia

Hasta el 16 de julio, Museo de Bellas Artes, Boston, 465 Huntington Avenue, Boston; 617-267-9300; mfa.org. La exposición viajará al Museo de Arte de Seattle del 19 de octubre al 1 de enero. 21, 2024.